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20 misterios del Rock

2011-02-01T08:17:00.000-03:00

Además de nutrirnos de grandes melodías, el rock supo desde siempre llenarnos de historias misteriosas sobre sus protagonistas. Muchos secretos no confirmados revolotearon entre quienes construyeron la música de estos días.
Describimos algunos de los mitos más populares y extraños sobre los artistas y las bandas de estos tiempos, aquellos murmullos que, aunque se desmientan, no dejarán de ser parte de la fábula rockera.

En la prestigiosa revista musical Rolling Stone No 116. Aparecen 20 misterios sobre grandes personajes del rock. Hasta el día de hoy estas historias continúan circulando y dando mucho de qué hablar ¿qué opinan los Denunciantes, son realidades o fantasías?....

1. ¿Fue un suicidio la muerte de Kurt Cobain?

link: http://www.youtube.com/watch?v=AhcttcXcRYY

Al morir Kurt Donald Cobain, todos pensaron en el suicido, hasta ahora muchos siguen pensando eso, pero hay ciertos detalles que hacen sospechar de un homicidio, si es asi quien fue el que lo planeo y quien lo realizo.La carta que se encontro en el lugar de la muerte de Kurt no hablaba de su suicidio, no trataba de explicar su muerte a su hija Frances ni a Courtney, solo era una carta dirigida a sus fans explicandoles por que renunciaba al negocio musical. Los ultimos renglones, que es donde habla de su muerte fueron agregados, esos renglones estan escritos con distinta tinta a los demas renglones y no es la letra de Kurt, segun los grafologos. .Courtney tenia una nota que mantubo oculta hasta varios meses despues de la muerte de Cobain, esta segunda nota fue encontrada en el bolsillo del pantalon de Cobain el dia que fue encontrado muerto. Ella no habia dicho nada de esta nota, hasta varios meses despues cuando cierta informacion se filtro durante una entrevista para la revista Rolling Stone. La nota que oculto Love define claramente la primera nota, (la primera nota estaba a un costado del cadaver y la segunda la que oculto Love en su bolsillo) en la segunda nota Kurt establece que despues de dejar Nirvana saldria de Seattle y dejaria a Courtney. .Cobain, no se atrinchero en su habitacion, el taburete no estaba trabado en la puerta y no dejo su licencia de conducir afuera para que lo identificaran, como lo afirmaron varios medios. El primer policia que llego a la habitacion de Kurt afirma que tomo la billetera de Cobain y ahi encontro su licencia, esto lo hizo para identificarlo plenamente. .El 6 de mayo, dia en que se revisaron las huellas en la escopeta, fue muy dificil detectarlas, alguien habia limpiado o habia utilizado un pa ñuelo para que no quedaran las huellas. .Si Cobain se inyecto deliberadamente sobredosis de heroina ¿por que utilizo una escopeta para destruir su cabeza y dejar una terrible imagen a su hija? ¿por que no simplemente dormir con la sobredosis y ya no despertar nunca?. .En el examen que se le hizo a Cobain salio que se inyecto lo quibalente a 3ml de heroina por litro de sangre ¿como pudo levatar la escopeta, apuntarla a su cabeza y dipararse?¿no se hubiera desbanecido inmediatamente? Kurt no hubiera podido lebantar la escopeta, mucho menos jalar el gatillo. .Quiza el punto mas claro: En una entrevista que John Grant realizo a 'El Dulce' vocalista de Sex Shop, declara que Courtney Love le ofrecio 10 mil dolares por 'volarle los cesos a Kurt con una escopeta', un par de semanas despues de la entrevista 'El Dulce' fue encontrado muerto en las vias de tren que se encontraban detras de su casa. Esos son los puntos mas claros que hacen dudar de el suicidio de Kurt Cobain.

2. ¿Ordenó la CIA el asesinato de John Lennon?

link: http://www.youtube.com/watch?v=8ra33d4o2Uo

John Lennon se convirtió en un peligro para Estados Unidos de Norteamérica.....Richard Nixon trató de deportarlo del país en variadas ocasiones...Lennon decía que estaba siendo perseguido y sus conversaciones telefónicas estaban siendo vigiladas.....5 años se retiró de las grabaciones, al parecer, amenazado de muerte...curiosamente al regresar y grabar su último disco, apareció un "loco" programado por la CIA.....La Historia Oficial En 1980 Lennon sacó a la venta su esperado regreso, Double Fantasy, después de cinco años de ausencia. Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo: Milk and Honey. El 8 de diciembre de 1980, al terminar de grabar, con Yoko, unas pistas, fue asesinado por un fanático desequilibrado, Mark David Chapman, que le disparó con un revolver seis balazos, de los cuales cuatro le alcanzaron de lleno, después de haberle pedido un autógrafo esa mañana a las puertas del domicilio de Lennon, el mítico edificio Dakota. Las Sospechas Mark David Chapman, su asesino, no era un fanático admirador, como se señaló en el informe oficial. Según sus amigos y familiares, aborrecía la violencia, pasó por varios aeropuertos con el arma asesina, trabajó en la YMCA (Asociación Cristiana de Jóvenes), lugar predilecto de reclutamiento de la CIA, partió como voluntario para trabajar a las órdenes de esta asociación en Beirut durante la guerra civil en ese país y a su regreso laboró con los vietnamitas refugiados en Fort Chafee, Arkansas, junto con World Vision, un organismo evangélico acusado de colaborar con la CIA en Honduras y El Salvador. Es sabido, además, que la CIA desde 1939 ha trabajado en investigaciones de “lavado de cerebro” mediante drogas, hipnotismo y otros procedimientos. El asesino de Lennon dijo en el proceso que al enfrentarlo a la entrada de su casa, “una voz en su cabeza, dijo: Hazlo, hazlo, hazlo”. ¿Era Chapman un asesino programado por la CIA?

3. ¿Compusieron Pink Floyd Dark Side of the Moon como BSO para El mago de Oz?

link: http://www.youtube.com/watch?v=3ng74hxX61E
¿Qué hay más allá del arco iris? Pues seguramente Pink Floyd tocando The Dark Side of the Moon. Un buen día, alguien se dio cuenta (o así lo creyó) de que The Dark... sincronizaba perfectamente con El mago de Oz. La música encajaba con las escenas y las letras de las canciones parecían describir exactamente lo que sucedía en pantalla. ¿Había elaborado deliberadamente el grupo una banda sonora alternativa para el film? Nick Mason ni lo menciona en su biografía, David Gilmour lo niega y Alan Parsons, ingeniero de sonido durante el complicado proceso de grabación, dice que, con los medios de entonces, era imposible. El único que no suelta prenda al respecto es... Roger Waters. Lo curioso es que esta sincronización sólo es posible con el CD (en vinilo descuadra) y pudiendo reproducir la película en vídeo o DVD. Teniendo en cuenta que, en 1973, vídeos domésticos había más bien pocos y que los CD no existían ni en las pelis de ciencia ficción, Roger Waters resultó ser un genio visionario... aunque no excesivamente, porque no anticipó la auténtica revolución digital: según las webs que documentan minuciosamente el fenómeno, no sirven ni las copias en mp3 ni los torrents de la película. Esto ya debería invalidar nuestro ensayo empírico, realizado 100 % con formatos intangibles. Igualmente, se puede probar: se ha de dejar el disco en pausa nada más comenzar; en cuanto el león de la Metro pegue el tercer rugido, hay que dar al play... y te encuentras con algo muy cogido de los pelos. Hay momentos curiosos, como que el fragmento de mayor dramatismo de The Great Gig in the Sky coincida con la escena del tornado y que se calme justo cuando la casa toca tierra. O que Dorothy abra la puerta y vea el mundo de Oz en colorines justo cuando arranca Money. O que se escuche el latido de Eclipse cuando el hombre de hojalata habla de su ausencia de corazón. El resto de los grandes momentos coincidentes esta cronista no los supo ver. Además: es que la música de The Dark... no pega con El mago de Oz ni de broma: demasiado triste. Lo realmente fascinante de esta historia, por eso, no es tanto descubrir si fue un efecto buscado por Pink Floyd, como: ¿Quién fue el pirado al que se le ocurrió todo esto y por qué?

4.¿Sufrieron una maldición las primeras estrellas del rock?

En la ilustración, reunidos en nuestra imaginación en una última cena, cinco de los socios fundadores del rock, todos ellos prematuramente desaparecidos; de izquierda a derecha, Eddie Cochran, fallecido a los 22 años en un accidente de tráfico durante una gira por Inglaterra, en 1960. Gene Vincent, en 1971, recién cumplidos los 36, tras reventarle una úlcera mientras visitaba a su padre en California, tras años de olvido y de sufrir con su estoica cara de rocker los terribles dolores en la pierna provocados por un accidente de moto a finales de los 50; los médicos le recomendaron amputársela para evitar el sufrimiento, pero jamás quiso hacerlo. Buddy Holly se fue el día que, como rezaba el estribillo de American Pie –éxito muchos años después para Don McLean– la música murió. Fue el 3 de febrero de 1959, tenía 22 años y se marcharon con él Ritchie Valens (que aún no tenía 18) y The Big Bopper (29). A la derecha de Holly, Johnny Burnette, el más talentoso de la dinastía de rockers que lleva su apellido, que se ahogó en 1964, a los 29, tras ser embestida su barca de pesca. Y por último, Vince Taylor, el único que cumplió los 50, aunque cuando falleció en Suiza, en 1991, quienes le conocían creían que tenía muchos más que los 52 que acaba de cumplir y los que le recordaban estaban convencidos de que había muerto mucho antes. Completamente olvidado, pese a que The Clash habían resucitado a principios de los 80 su Brand New Cadillac –Loquillo también hizo una impresionante versión en castellano– trabajaba como mecánico.

Todos vivieron una vida corta y azarosa. ¿Casualidad o maldición? La aristocracia del rock, la corte de chicos blancos que se atrevieron a hacer música negra –la música del demonio, según muchos predicadores de la época– no pudo escapar de una infernal condena que, no olvidemos, también se llevó a su rey, Elvis, con 42 (y más del doble de kilos). Curioso que Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino y la mayoría de los rockers de color surgidos a finales de los 50 sigan tan vivos como venerables; quizás se acojan al pacto diabólico gracias al que, según cuenta la leyenda, el patriarca Robert Johnson inventó el rock a cambio de vender su alma, y eso les haya librado de morir abrasados en la hoguera a la que los biempensantes arrojaban hace medio siglo sus discos, como si de un aquelarre se tratase. El trato no alcanzaba a los ‘blanquitos’, y eso explicaría que el gran superviviente sea Jerry Lee Lewis, un tipo que siempre jugó con fuego, llegando a incendiar su piano en público... La condena sólo alcanzó a los rockers blancos

5. ¿Maldijo a Led Zeppelin la afición de Jimmy Page por la brujería?

link: http://www.youtube.com/watch?v=w9TGj2jrJk8
La devoción de Jimmy Page por el ocultismo en general y por Aleister Crowley, el famoso ocultista, en particular, el comportamiento excesivo de la banda durante las giras y las desgracias que les asolaron dispararon las especulaciones. La de Page no era una afición baladí: abrió una librería especializada en esoterismo a principios de los 70; cuando tenía un descanso visitaba los parajes en los que había vivido Crowley e incluso compró su antigua mansión, la Boleskine House, en Escocia. Pero el detonante de los rumores fueron los cuatro símbolos que decoran la carpeta interior de Led Zeppelin IV, que representan a los miembros de la banda, siendo el de Page el más polémico, por desconocido; Page nunca ha explicado su significado, lo que deja la puerta abierta a innumerables teorías chorra-místicas: es Zeus, lo copió de un antiguo libro de magia, se lo sopló Belcebú... Este álbum marca, además, el momento de máxima popularidad de la banda y algunos quisieron ahí ver un pacto satánico: habían vendido su alma a cambio de su apabullante éxito (parece ser que los cazadores del demonio son incapaces de asumir que alguien pueda triunfar por sus propios méritos). Además, contiene su canción más famosa, Stairway to Heaven, que, dicen, escuchada al revés, es una Stairway to Hell llena de cánticos satánicos. Teniendo en cuenta que es uno de los temas más radiados de la historia, no cabe duda de que todos estamos condenados. Bromas aparte, hay que echarle imaginación... y paciencia para soportar al revés sus ocho minutos. Pero lo que sobredimensionó la leyenda negra de Led Zep fueron las desgracias que acaecieron entre 1975 y 1980. En 1975, estando de vacaciones Page y Plant en Rodas con sus respectivas familias, Jimmy hizo una escapada a Sicilia para visitar una antigua morada de Crowley. Al día siguiente, los Plant tuvieron un accidente de coche; Robert resultó herido grave y Maureen, su mujer, estuvo a punto de morir. El 26 de julio de 1977, Karac Plant, su hijo pequeño, fallece de una misteriosa y fulminante infección estomacal. El último y definitivo golpe a la banda fue la muerte, en casa de Page, de John Bonham, ahogado en su propio vómito después de una descomunal borrachera.

6. ¿Elvis Presley está vivo?

"Elvis está vivo. Bob Dylan también lo sabe, pero Bob es muy discreto y no dice nada". Que el Rey vive es un secreto a voces para Calamaro y miles de personas que se niegan a creer que muriera de manera tan indigna el 16 de agosto de 1977 con 42 años: hecho una bola de sebo, embrutecido por drogas legales, infartado en una taza de váter de Graceland. No puede ser, Elvis era demasiado poderoso. Muchas teorías tienen una misma base: la del doble, según la cual quien murió fue alguien contratado para sustituirle. Han llegado a insinuar que el Elvis de los 70 era su gemelo Jesse, que no murió al nacer. Así se explica la decadencia del Rey, sus ciento y pico kilos, su adicción a los fármacos... y esos trajes de lentejuelas.

Los avistamientos de Elvis han sido miles: haciendo autoestopismo en Texas, de camionero en Tasmania (Australia), jubilado en Argentina o en un retiro dorado junto a Hitler (también vivo, claro). Una fuente habitual, el Weekly World News, rizó el rizo en 1994 al afirmar: "Elvis está muerto". O sea, que llevó una vida anónima desde el 77 y falleció tras 17 años (al ver de que habían acabado con uno de sus filones, el WWN desmintió la muerte y ha seguido publicando burdas fotos del rockero anciano). Jimmy Ellis, que grababa con Sun, el primer sello de Elvis, causó revuelo a finales de los 70 al actuar como Orion ocultándose tras una máscara: su voz se parecía tanto que mucho pensaron que era él (en su primer LP, Reborn, aparecía saliendo de un ataúd). En los 80, Ellis se cansó y se quitó la máscara. Vale, Elvis vive, pero, ¿por qué fingió su muerte? Unos afirman que estaba harto de la presión de su leyenda, o incapaz de levantar su carrera. Otros cuentan que lleva 32 años luchando, de incógnito, contra la droga como agente de la DEA (recordemos que en 1970 Nixon le nombró agente honorífico). Según elvis-is-ali-ve.com el rey necesitaba desaparecer para luchar contra una organización mafiosa llamada The Fraternity...

7. ¿Está Paul McCartney muerto?

link: http://www.youtube.com/watch?v=aLEhh_XpJ-0

El 12 de octubre de 1969, Paul McCartney estaba tan tranquilo, disfrutando de la buena acogida -número 1, claro- del Abbey Road, lanzado un par de semanas antes. Sin embargo, en la emisora WKNR-FM de Michigan, empezaron a pensar, y decir, que el beatle estaba muerto. Fue culpa de un tal Tom, oyente anónimo, del que jamás se supo nada más que, hace cuarenta años, se tomó la "molestia" de encontrar pistas que aseguraban que Paul McCartney no era Paul McCartney, sino un tipo llamado William Shears Campbell, que había pasado un concurso de dobles para sustituir al beatle zurdo en 1966. Lo que sigue es la teoría: El miércoles 9 de noviembre de 1966, a las 5 de la mañana, Paul conducía su Aston Martin a todo trapo. No se dio cuenta de que un semáforo se había puesto en rojo, y un camión -para este extremo hay varias opciones, puede ser un coche- se lo llevó por delante, siendo la consecuencia más notoria de que el pobre Paul perdió, literalmente, la cabeza. A partir de ahí, el rosario de "pistas", de las que sólo reproducimos las más honrosas. En Sgt. Peppers Lonely Heart's Club Band (1967); el primer disco que los Beatles publicaron sin Paul McCartney; en la portada, el "doble de McCartney" lleva una placa con las iniciales O.P.D., que en inglés obedecen a "Oficially Pronunced Death", aunque en realidad remitía a Ontario Police Department. Al finalizar la canción titular del disco, se introduce a un tal Billy Shears, que sería William Shears Campbell, el sustituto. She's Leaving Home arranca con "Wednesday Morning at 5 o'clock as the day begins...", aludiendo al momento de la muerte de Paul; en la contraportada, George Harrison apunta esta frase. A Day in the Life contendría también varias referencias al accidente de coche. En la portada de Abbey Road, Paul es el único que cruza el paso de cebra descalzo. En algunas culturas, eso es una alegoría de la muerte. Además, la matrícula del coche blanco que aparece en la portada es 28 IF, lo que hace referencia a la edad que tendría McCartney si (if) estuviera vivo.

8. ¿Murió Bob Marley por culpa de una pachanga futbolera, por la marihuana o por las secuelas de un tiroteo?

link: http://www.youtube.com/watch?v=jGqrvn3q1oo

Todas las muertes prematuras de estrellas de la música terminan generando leyendas absurdas. La de Bob Marley en abril de 1981, a los 36 años, no es una excepción. La historia oficial tiene mucho de mala suerte: en 1977, Marley se hizo una herida en el dedo gordo del pie derecho jugando al fútbol. Esa lesión le provocó un melanoma maligno que se le extendió a todo el cuerpo, y una mañana de septiembre de 1980, mientras hacía footing en Nueva York, cayó redondo. Entonces se le diagnosticó el cáncer y poco tiempo de vida. Marley aún dio un concierto más antes de viajar a Alemania a que le trataran. Cuando el final era inminente Marley quiso volver a morir en Jamaica, pero en la escala de Miami le tuvieron que hospitalizar, y falleció allí.

Hasta aquí los hechos. Ahora, las leyendas urbanas: 1. Bob palmó porque se negó a que le amputaran el dedo del pie, algo que prohibe la religión rastafari. 2. Se negó a la quimioterapia ¡para no perder las rastas! 3. Bob murió de sobredosis de marihuana. Sin comentarios... La teoría de la conspiración, popular entre algunos jamaicanos para los que Marley es casi la encarnación de Jah, dice que murió por intereses de los políticos jamaicanos o por los de la muy socorrida CIA, que siempre aparece en estas historias. Es cierto que en 1976 unos pistoleros de una de las facciones políticas en lucha atentaron contra el cantante, pero no sufrió más que heridas leves en el pecho y un brazo. Definitivamente, Marley murió por la herida del fútbol. Para que luego digan que hacer deporte es sano...

9. ¿Está Jim Morrison realmente enterrado en París?

link: http://www.youtube.com/watch?v=DfZgGR9ijgU

¿Es la famosa tumba de Jim Morrison un túmulo vacío? Motivos hay suficientes para sospechar que fingió su propia muerte: había huído a París para evitar una condena por exhibicionismo, la fama le superaba, los puritanos le odiaban y la poli le tenía manía. ¿Qué mejor que hacer mutis? Las circunstancias que rodearon su fallecimiento no fueron claras: Pamela Courson, su novia, no dio una explicación coherente sobre lo sucedido la noche del deceso; sólo ella y un desconocido forense, que se limitó a firmar un certificado de defunción por fallo cardíaco y largarse, vieron el cadáver; no se mandó hacer autopsia y la conducta posterior de ella fue extrañísima. Primero no quiso anunciar públicamente la muerte de Jim; después, los escasos asistentes a su entierro sólo vieron un ataúd cerrado herméticamente. Pamela, que murió en 1974, enloqueció y repetía que Jim no había muerto y que le iba a llamar por teléfono; no lo hizo (quizás perdió su número). De hecho, Jim ya había fantaseado anteriormente con simular su propia muerte (teoría avalada por Ray Manzarek, teclista de The Doors, que le creía muy capaz de ello). Hay testigos que dicen que lo vieron sacando dinero de un banco de San Francisco y que en Louisiana dio una larga entrevista radiofónica (que nadie ha escuchado). ¿Sobornaron a la policía y al forense? ¿Se fue Jim solo y dejó colgada a Pamela? ¿Reapareció el Rey Lagarto por Graceland para asesorar a Elvis?¿Fue una muerte paranormal (era aficionado al ocultismo y se consideraba un chamán) o el típico asesinato del FBI y la CIA, que entre revolucionarios y presidentes sudamericanos, siempre encontraban hueco para cepillarse a alguna rockstar hippie?

10. ¿Gene Simmons, de Kiss, se hizo un implante de lengua de vaca?

link: http://www.youtube.com/watch?v=q7fxN3g5sLw

Demasiado inhumana para ser humana, las colosales medidas de su apéndice oral provocaron que se propagara como la pólvora el rumor de que el bajista se había injertado una lengua de vaca. Eso fascinaba a los más pequeños y encantaba a Simmons, que tampoco se molestó mucho en desmentirlo; básicamente porque el propio sentido común ya desmontaba la teoría: los transplantes entre animales y personas no estaban muy adelantados en esa época, precisamente. Más tarde, en su biografía, Kiss and Make Up, Simmons aclaraba que ya nació con semejante tamaño y que a los 13 años descubrió que su enorme lengua era muy útil... sobre todo con las chicas. Lo que les hacía con ella daría para otra leyenda urbana, suponemos.

11. ¿Predijeron Lynyrd Skynyrd su accidente aéreo?

link: http://www.youtube.com/watch?v=CkTQUtx818w

Ronnie Van Zant tenía claro que no llegaría a cumplir los 30. Lo había dicho muchas veces, tan alto y claro como cuando, reunido el grupo para decidir si seguírían la gira del 77 viajando en un vetusto Convair que poco antes habían rechazado Aerosmith, zanjó la discusión diciendo “Sólo sé que si ha llegado el momento de marcharse, ha llegado, así que”... Así que aquel 20 de octubre, 24 pasajeros, entre miembros del grupo y gente cercana, se subieron al avión en el aeropuerto de Greenville con destino a ninguna parte. Era la gira de Street Survivors. La portada –retirada poco después– mostraba a los miembros del grupo ante una hoguera. Casualidad o no, entre los supervivientes del accidente que sufrirían poco antes de llegar al aeropuerto de Baton Rouge no están los que en la fotografía figuran más cerca del fuego; es el caso de Steve Gaines, prácticamente consumido por las llamas en la imagen, al igual que Ronnie Van Zant, que está junto a él en la foto... Leon Wikenson, Artimus Pyle, Billy Powell y Allen Collins aparecen lo suficientemente alejados como para escapar de la tragedia pero no de la maldición; todos han muerto prematuramente. Un accidente de coche, un intento de asesinato, una extraña enfermedad... Antes de la tragedia habían acordado que solo si tres miembros originales permanecían en la banda, seguirían usando el nombre; sólo queda Gary Rossington, pero ha decidido seguir adelante.

12. ¿Fingió Bob Dylan el accidente por el que desapareció dos años?

link: http://www.youtube.com/watch?v=cJpB_AEZf6U

El 29 de julio de 1966, los frenos de su motocicleta Triumph 500 se bloquearon en una carretera cercana a su hogar de Woodstock, Nueva York, arrojándolo a tierra. Aunque el alcance de sus heridas nunca fue revelado, Dylan dijo que se había fracturado varias vértebras cervicales. El misterio aún ronda las circunstancias del accidente en tanto que no se llamó a ninguna ambulancia y Dylan no fue hospitalizado. En relación a la relevancia de su accidente, Dylan expresó cierta amargura en la forma en que había sido tratado: "Cuando tuve ese accidente de moto... me desperté y capturé mis sentidos, y me di cuenta de que estaba trabajando para todas esas sanguijuelas. Y no quería hacer eso. Además, tenía una familia y quería ver a mis hijos". La biografía de Howard Sounes, Down The Highway, concluye que el accidente ofreció a Dylan la necesidad de escapar de las presiones que había construido en torno a sí mismo. A raíz de su accidente, Dylan se retiró de la opinión pública, y con la excepción de algunas apariciones, no volvió a salir de gira hasta ocho años después.....lo más extraño del caso, es que practicamente desapareció por dos años y todo parece indicar que se debió a fuertes presiones de las cuales quiso safarse..¿o acaso fueron otros motivos desconocidos?

13. ¿Asesinó el líder de un grupo de black metal a uno de sus rivales?

Totalmente cierto: el noruego Varg Vikernes, único miembro del grupo de black metal Burzum, apuñaló hasta la muerte a Euronymus, de Mayhem, en agosto de 1993. Lo curioso de todo esto es que además de “rival”, Euronymus era amigo de Vikernes y el dueño del sello donde éste editaba sus discos. El angelito (negro) Vikernes, de ideología nazi, fue encontrado culpable de haber asesinado a Øystein Aarseth (nombre real de Euronymus), y de haber quemado varias valiosísimas iglesias medievales de madera. Lo primero lo hizo, según su defensa, porque Aarseth había amenazado con matarle a él (al parecer, entre los dos había una guerra de egos por el liderazgo de la potente escena black metalera noruega). Lo de las iglesias lo hizo porque es un fervoroso pagano y anticristiano, y considera una ofensa que muchos de estos templos estén construidos sobre suelo pagano sagrado. Tras su detención, la policía halló 150 kilos de explosivos en la casa de Vikernes. Según las distintas versiones, los iba a usar bien para volar una casa okupa izquierdista de Oslo, bien para reventar la catedral de Nidaros, en Trondheim. A Vikernes, apodado como Conde Grishnackh por un personaje menor de El señor de los anillos, se le concedió el pasado mes de marzo la libertad condicional tras haber pasado 16 años en la cárcel de los 21 (máximo posible en su país) a los que fue condenado. El Conde está libre. Tiembla, Noruega.

14. ¿Hay algo que no sabemos de la misteriosa muerte de Brian Jones?

link: http://www.youtube.com/watch?v=d6GbXSjEE6E

De todas las muertes “accidentales” de la historia del rock, la que tiene más probabilidades de no haberlo sido es la de Brian Jones, el rubiales que fue la verdadera esencia stoniana –cuando iban a EE.UU., al que recibían como líder de la banda era a él– hasta su desaparición. Conspicuo multi instrumentista que llenó de matices el sonido de los primeros grandes discos de los Rolling Stones –el sitar de Paint it Black, por ejemplo–, y luego campeón mundial de la vida disoluta, Jones fue poco a poco apartándose de la vida del grupo hasta que fue el propio grupo el que le apartó del todo, sustituyéndole por Mick Taylor. Antes de eso, Keith Richards ya le había robado la novia, Anita Pallenberg, mientras Jones buscaba y grababa –mucho se perdió– a los misteriosos músicos del Atlas, en Marruecos. Brian Jones llegó al 3 de julio de 1969 solo –una forma de hablar; seguían apareciendo hijos suyos por todos lados–, alcoholizado y narcotizado, hinchado, profundamente aburrido, y enfrascado en una serie de inacabables reformas en su lujosa y étnica casa. Inacabables porque Jones cambiaba cada día de gusto interiorista y porque los obreros que había contratado, comandados por el capataz Frank Thorogood, se aprovechaban de que su cliente no se enteraba de la misa la mitad, y ponían más empeño en beberse su Armagnac que en ponerle baldosas al camino de la piscina. Ah... la piscina.

Brian Jones, pese a ser asmático, era buen nadador. Sin embargo, esa noche, la del 3 de julio, no le sirvió de nada. Se ahogó en la piscina. Se supone que solo, y que por culpa de una acumulación histórica de drogas y alcohol. No está claro quién estaba con él esa noche. Se dan por seguras las presencias de su novia ocasional, la sueca Anna Wohlin, que se encontraba dentro de la casa y no vio nada, y de Frank Thorogood, de ubicación incierta en la finca. A lo largo de los años han ido apareciendo testigos escondidos en anónimos –inválidos, por tanto–, supuestos obreros a las órdenes de Thorogood o chicas que, en teoría, estaban allí esa noche, que han asegurado que fue el capataz el que, en medio de un toma y daca de burlas y desprecios, ahogó a Jones y después desapareció, llevándose de paso algunas guitarras y muebles de su gusto. Se dice que el propio Thorogood reconoció en su lecho de muerte. Y ahí queda todo.

15. ¿Trent Reznor vivió en la casa de la matanza de la secta de Manson?

link: http://www.youtube.com/watch?v=YmQ_ANFOo1M

El líder de la banda de rock industrial Nine Inch Nails, Trent Reznor (Cleveland, 1965), andaba allá por 1994 en busca del lugar perfecto para grabar su segundo álbum, The Downward Spiral. Veía casas y casas pero no le convencía ninguna hasta que al fín se topó con la mansión situada en el 10050 de Cielo Drive en Beverly Hills, se enamoró y sin saber qué había pasado allí se la quedó. Según declaró para Rolling Stone en abril de 2007: “Nadie tuvo a bien decírmelo, aunque me hubiera gustado”. Lo que le hubiera gustado saber antes a Reznor es que en esa mansión había tenido lugar hacía 35 años la brutal matanza perpretada por la secta de Charles Manson que acabó con la vida de la esposa del director Roman Polanski, Sharon Tate, embarazada de ocho meses, y de cuatro personas más, con la palabra ‘cerdo’ pintada en sus paredes con sangre. Y todo eso sin ningun móvil confirmado, salvo la teoría de que a Manson no le gustó nada La semilla del diablo (Polanski, 1968), que iba de sectas y ritos satánicos. En ese mismo número de Rolling Stone, Reznor respondía a esta pregunta: ‘¿A qué olía la mansión de Sharon Tate y Roman Polanski la primera vez que entraste en ella?’. “Era bellísima. Ya la han demolido, pero tengo la puerta principal en mi oficina. ¿El olor? Aunque te decepcione debo decir que no olía a muerte ni a cuerpos despedazados”.

16. ¿Es cierto que Los Bravos sustituyeron a su teclista, recién suicidado, por un encapuchado?

Los Bravos son un grupo español de música rock de los años 60, que han tenido repercusión internacional, gracias sobre todo a su gran éxito "Black Is Black" (1966)... El grupo se creó en 1965, tras el encuentro en una discoteca de miembros de Los Sonor, grupo de Madrid en el que militaban el guitarrista Antonio Martínez y el teclista Manuel Fernández Aparicio, y de Mike and The Runaways, que tras su estancia y experiencias musicales en Alemania desde Noviembre de 1964 regresaban a Mallorca en Julio de 1965. El grupo liderado por Kogel tenía en sus filas al bajista Miguel Vicens y al batería Pablo Sanllehí. Esta nueva formación mantuvo el nombre de Los Sonor, hasta que Manolo Díaz, que había sido miembro de los "viejos" Sonor, impresionado por la voz y la personalidad de Mike, habló de ellos al manager y productor francés Alain Milhaud. Milhaud, que era director artístico de Discos Columbia, aceptó representarlos y negoció un contrato discográfico con la propia Columbia. El grupo iba a contar con canciones escritas por el propio Díaz... En 1968 sucedieron dos hechos que marcaron traumáticamente el desarrollo posterior del grupo: el suicidio de Manolo Fernández y la marcha del grupo de Mike Kogel para iniciar su carrera en solitario con un nuevo nombre artístico: Mike Kennedy. La muerte de Manolo fue especialmente trágica, ya que fue motivada por el sentimiento de culpa tras fallecer Low Rey, recientemente convertida en su esposa, en un accidente de coche en el que él era el conductor. Ya había intentado sucidarse en otra ocasión trás el accidente. Para sustituir al organista se decidió hacer un montaje similar al que se montó para dar nombre al grupo. Se buscó un nuevo organista y éste debutó con Los Bravos ¡encapuchado! Además, se convocó un concurso entre los seguidores del grupo: aquel que acierte el nombre del nuevo organista iba a acompañar a Los Bravos en una gira. De acuerdo con Pardo, el día de la presentación en Madrid se organizó una persecución de coches. "El montaje es tan burdo y explota tan descaradamente el trágico final de Manolo que el rechazo es casi unánime", afirma el escritor. En cuanto a Kogel, fue sustituido por Bob Wright y, más tarde, por Anthony Anderson, hermano del vocalista del grupo Yes, Jon Anderson.

17. ¿Compusieron Tool -Lateralus- con una clave matemática oculta?

link: http://www.youtube.com/watch?v=EDlC7oG_2W4

Que Tool es la banda de metal progresivo del regomello no es nada nuevo. Maynard y los suyos se lo han currado mucho para que nos quede claro a todos. Empezando por sus seguidores, la Tool Army, que es como si fueran la mejor afición que se te ocurra de un equipo de fútbol, siguiendo por el significado de ‘tool’, que ya se encargó de aclarar el propio Maynard: “Es un falo enorme. Una llave inglesa... Nosotros somos tu herramienta. Un catalizador para encontrar lo que sea que necesites”. Y el colmo de la paranoia oscura e infernal: en el disco Lateralus (2001), el número de sílabas de cada verso en la letra de la canción de mismo nombre esconde una clave matemática, la mismísima secuencia de Fibonacci (1,1,2,3,5,8..). Pero ahí no acaba la cosa. Los privilegiados procesos mentales de los componentes de Tool, más allá de incorporar mensajes crípticos y versos incomprensibles en sus temas, también les lleva a explorar temas más personales, como en 10.000 Days (2006): el mismo Maynard le puso el título refiriéndose a los 27 años, aproximadamente 10.000 días, que estuvo su propia madre agonizando por una enfermedad cerebrovascular hasta que murio en 2003. Si con esto no te queda claro que con Tool nada queda al azar, repasa sus vídeos en toolband.com.

18. ¿Tenía Charles Manson talento para ser un rock star?

Indudablemente, Manson tenía el carisma de una estrella del rock. Después de pasar la mayoría de su vida adulta en prisión, llegó a Los Ángeles con su ‘Familia’ [seguidores de sus profecías esotéricas] y consiguió meterse en el bolsillo a muchas celebridades por sus ínfulas hippies y su don de palabra. Uno de los que se cameló fue al mismísimo Dennis Wilson, batería de los Beach Boys. Él fue el que le presentó al productor musical Terry Melcher (hijo de Doris Day), que vivía en la calle Cielo Drive 10500, adonde acudía con frecuencia para convencerle de que le produjera un disco. Manson vio cómo, meses después, los Beach Boys sacaron un disco con la canción Never Learn to Love, que decía que en realidad era suya pero con el título cambiado, lo que le creó una ira sobrehumana. En el disco que finalmente publicó Manson en 1970, Lie, para financiar su defensa, grabó su versión del tema, Cease to Exist. Pero su relación con las estrellas del rock no acaba aquí. Otra de las canciones del disco de Manson, Look at Your Family, fue versionada años después por los Guns N’ Roses en su disco The Spaghetti Incident. Incluso la enfermiza obsesión por la música, y en especial por The Beatles, de Manson, le llevó a malinterpretar el sentido de la canción Helter Skelter (The White Album, 1968) entendiendo en sus letras un mensaje apocalíptico que no existía, y así quedaron escritas con sangre ambas palabras en las paredes de la casa de Polanski y Tate, después de la brutal matanza a manos de la ‘Familia’ en la misma mansión que antes había sido del productor Terry Melcher. En la oscura mente de Manson, los Beatles eran ‘Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis’, y lo que él anhelaba, hasta la más delirante frustración, era ser el quinto.

19. ¿Qué fue realmente de Richey James, de Manic Street Preachers?

link: http://www.youtube.com/watch?v=B3Wh76ZjQaE

Richard James Edwards, nacido el 22 de diciembre de 1967 era el guitarrista y letrista de la banda galesa de rock Manic Street Preachers. Edwards está desaparecido desde 1995. El 23 de noviembre de 2008, a efectos legales, la justicia británica lo declaró "presunto muerto".... Edwards desapareció el 1 de febrero de 1995, en el día en que él y James Dean Bradfield debían haber volado a los Estados Unidos, en un tour promocional. En las dos semanas anteriores a su desaparición, Edwards retiró £200 por día de su cuenta bancaria, que totalizaban £2800 hasta el 1 de febrero. Salió del hotel London Embassy a las 7 de la mañana, y se ha probado que después condujo hasta su departamento en Cardiff, Gales. En las dos semanas que siguieron, fue aparentemente avistado en la oficina de pasaportes y la estación de autobuses de Newport. El 7 de febrero, un taxista de Newport supuestamente recogió a Edwards del King's Hotel en Newport y lo condujo hacia los valles, incluyendo Blackwood (lugar de origen de Edwards). El pasajero se bajó del taxi en la estación de servicio Severn View y pagó la tarifa de £68 en efectivo. El 14 de febrero el Vauxhall Cavalier de Richey recibió una multa en la estación de servicio Severn View, y el 17 de ese mes el auto fue denunciado como abandonado. La policía descubrió la batería descargada, con la evidencia de que había sido usado. Desde entonces Edwards ha sido supuestamente visto en una feria hippie en Goa, India y en las islas de Fuerteventura y Lanzarote. Ha habido otras observaciones alegadas de Richey James, especialmente en los años que siguieron a su desaparición. No obstante, ninguna de esas ha sido probada como concluyente y ninguna ha sido confirmada por los investigadores.

20. ¿Murieron Notorious y Tupac por orden de la misma persona, y con complicidad de la policía?

link: http://www.youtube.com/watch?v=jxXp8dHaQz4

La noche del 7 de septiembre de 1996, Tupac fue tiroteado. Momentos antes había tenido un altercado en el lobby del hotel MGM con un hombre llamado Orlando Anderson, miembro de la pandilla Southside Crips. Semanas después, Anderson fue detenido por el crimen, pero luego fue liberado y absuelto. En mayo de 1998 Anderson muere en un tiroteo en Compton, California. Tupac se subió al auto BMW 750i de Knight su productor, en varios autos, iban otros músicos, guardaespaldas y amigos. La caravana salió del hotel en dirección a la disco "662". A las 23.15, un semáforo detuvo la caravana. Al lado del BMW frenó un Cadillac blanco con cuatro hombres negros en su interior. Dispararon varios tiros contra el BMW, cuatro le dieron a él en el pecho y una bala rozó la cabeza de Knight. Los guardaespaldas que iban en otros coches no reaccionaron a tiempo y los atacantes lograron escapar. Tupac murió el 13 de septiembre en el Centro Médico Universitario de Las Vegas a causa de un fallo respiratorio y un paro cardiopulmonar. Tenía 25 años. Una línea de la investigación apuntó a que el rapero Notorious B.I.G. había ordenado el crimen de Tupac. Notorious era la cara más visible del rapCosta Este y del sello discográfico Bad Boy, rival de Death Row. Pero no se pudo probar nada. Seis meses después, en marzo de 1997, Notorious fue asesinado en Los Angeles. Había asistido a la entrega de los premios Soul Train Music y lo acribillaron a balazos en su auto. de la Los dos crímenes siguen hoy impunes. Lo único concreto es que con ambas muertes los únicos que se beneficiaron fueron las dos compañías discográficas —Death Row y Bad Boy— que, tras los crímenes, editaron y vendieron millones de discos.....lo que se cree al respecto es que tanto Tupac cómo Notorious fueron mandados matar por las misma ( o las mismas personas)

2004 - Non Risponde Piu

2011-02-01T08:13:00.000-03:00

Interpretes: Claudio Argento, Dario Argento, Luigi Cozzi
Sinopsis: Documental dedicado a Lucio Fulci con anecdoctas y experiencias contadas por colegas, conocidos y colaboradores.

http://www.megaupload.com/?d=ED5028WI

Radiohead- Meeting People Is Easy

2008-07-24T08:32:00.001-03:00

Radiohead- Meeting People Is Easy

El seis de julio de 1977, en Montreal, Canadá, alguien encendió lo que en Argentina conocemos como una cañita voladora, para la consternación de Roger Waters, que "trataba de cantar una canción" al frente de Pink Floyd; Waters detuvo a la banda, increpó al público. Minutos después, otro fanático subió al escenario, y Waters lo escupió en la cara. En ese momento comprendió que la conexión con la gente se había perdido, sintió la existencia de una pared entre la audiencia y el artista, y esa frustración lo llevó a componer "The Wall".

El seis de julio de 1997, en Werchter, Bélgica, probablemente Thom Yorke, al frente de Radiohead, haya sentido en esencia la misma alienación. Radiohead estaba haciendo la gira de presentación de un disco extraordinariamente famoso, "OK Computer", que para muchos significó el nacimiento del Pink Floyd de los noventa. Esa gira quebraría al sensible Yorke, lo sumiría en una depresión casi terminal; el documental "Meeting People is Easy" trata de esa degradación.

El documental "Meeting People is Easy" trata del horror de la fama, del lado oscuro de ser una estrella de rock: los interminables pasillos, los aeropuertos, las andanadas de fotos o de aplausos, las invariables entrevistas, el tedio, las ciudades que tienden a igualarse, las canciones que tienden a perder significado, el ruido, la sensación de nunca estar solo, o de nunca estar verdaderamente con alguien. Trata de la aceptacióón y del rechazo, trata de la comunicación entre dos personas, o de la comunicación entre una persona y una multitud, trata de que conocer gente nueva es fácil. En un momento puede verse cómo Thom Yorke deja, con notoria resignación y disgusto, que la gente cante "Creep", una canción que trata de la aceptación y el rechazo. En el librito que acompaña al DVD de "Meeting people is easy" podemos leer:

"Si fuiste rechazado muchas veces en tu vida, entonces otro rechazo más no va a hacer gran diferencia. Si sos rechazado, no asumas automáticamente que es tu culpa. La otra persona pudo haber tenido varias razones para no hacer lo que le estás pidiendo: acaso ninguna tenga relación con vos."

Y sigue teorizando sobre la forma de aceptar el rechazo, mientras que el contenido del DVD teoriza sobre una de las formas de la aceptación masiva. Aceptación y rechazo. Thom Yorke va a una fiesta; el guardián (pienso en "Ante la Ley" de Kafka) de la puerta no lo deja pasar. En vano tratan de convencerlo de que él es Thom Yorke, el cantante de una banda famosa, Radiohead. Lo rechazan, se va; le gritan, con burla, "Radiohead. Creep. Dickhead". Thom Yorke quiere entrar al escenario de un concierto de Radiohead, y nuevamente otro guardián le niega el paso. Michael Stipe, cantante de REM, explica al guardián que se trata del cantante de la banda; tampoco reconocen a Stipe. El desconocido Nigel Godrich, productor, los hace pasar porque tiene el pase de acceso. Estos pequeños incidentes no están intercalados por azar o capricho: tienen su preciso lugar en este tejido.

El documental también trata del individuo y del grupo. El director Grant Gee intenta capturar a cada uno de los individuos de Radiohead, la cara pública y la cara privada. Podemos ver a Jonny Greenwood anotando en una partitura un arreglo de piano, a Colin Greenwood hablando en francés, a Thom Yorke reflexionando sobre política. Podemos ver a cada uno de los miembros ejecutar su parte de un tema, durante un concierto, durante una grabación en estudio; podemos observar lo que el ojo nunca observa: qué es lo que sucede cuando el ojo usualmente está enfocado sobre lo que sucede en primer plano.
Cuando el primer plano muestra un músico carismático, detrás hay tres o cuatro que no lo son; cuando los medios venden un grupo de éxito, en segundo plano está el cansancio, la deshumanización, el colapso nervioso. Todos los planos hacen a Radiohead, a Radiohead en la gira de "OK Computer", que está retratada desde varios puntos de vista a la vez.

El documental "Meeting People is Easy" trata del efecto que produce repetir la misma pregunta en sucesivas entrevistas, repetir diez mil veces la ejecución de una canción, de un concierto, repetir infinitamente la palabra "Radiohead".

Descargar:
Parte 1: http://lix.in/1f7d94
Parte 2: http://lix.in/941339
Parte 3: http://lix.in/ad4805
Parte 4: http://lix.in/f1a1cc
Parte 5: http://lix.in/801e9c
Parte 6: http://lix.in/83e535
Parte 7: http://lix.in/d7b2e7
Subtítulos : http://lix.in/303eaf

Grissinopoli – fábrica tomada Argentina

2008-07-24T08:28:00.002-03:00

Documental sobre Grissinopoli, una fábrica de grisines endeudada, que cae en la bancarrota y es abandonada por sus dueños. Con un trasfondo de creciente desempleo e inseguridad económica, sus dieciséis trabajadores deciden resistir, intentando gerenciarla ellos mismos.

En el filme, que ganó el Premio al Mejor Documental Latinoamericano en Barcelona, España (2004), retratan los avatares de un grupo de obreros de una fábrica recuperada de grissines.

Fueron 16 los obreros que tomaron la fábrica que se convirtió en su casa durante meses. Más de la mitad pisaba los cincuenta años. La mayoría no había terminado el colegio primario. Ninguno de ellos había tratado –ni sabía tratar- con proveedores, calculado costos, ganancias, ni conocía las diferentes vías de comercialización del producto. Poco a poco fueron aprendiendo las normas y las leyes que los amparaban, golpeando puertas de jueces y legisladores, organizando marchas y haciendo “choriceadas” para juntar plata. Cada uno fue planteando sus ideas, compartiendo sus miedos, esperanzas y deseos. Cada uno de estos momentos están registrados en el documental que tomó ocho meses de filmación. El mismo tiempo que les llevó a los obreros recuperar definitivamente su fuente de trabajo, cuando en noviembre de 2002, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires sancionó una ley que les cede transitoriamente el uso de la marca “Grissinópoli”, las maquinarias y el inmueble a la Cooperativa de Trabajo “La Nueva Esperanza”.

Descarga:
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Me matan si no trabajo y si trabajo me matan - Raymundo Gleyzer

2008-07-24T08:15:00.000-03:00

ME MATAN SI NO TRABAJO Y SI TRABAJO ME MATAN

16mms / Documental / Blanco y Negro / 20´/ 1974
Realizado por el Grupo Cine de la Base

Documental sobre la situación de los obreros metalúrgicos, que a causa del plomo y las malas condiciones de trabajo, enfermaban y morían de saturnismo. Una de las últimas apariciones públicas del diputado Rodolfo Ortega Peña, asesinado por las fuerzas paramilitares (AAA), días después de terminado este film.

Desaparecido
Hacia 1975 la Argentina era un hervidero y la situación era caótica y el funcionamiento de la Triple A (organización terrorista de extrema derecha -Alianza AntiComunista Argentina-) ya era pleno. Raymundo como otros militantes de organizaciones de izquierdas se convierte en un blanco móvil, su imagen, su nombre era el símbolo del Cine de Base. En 1976 realiza un viaje a New York por trabajo, la filmación se demora y Raymundo decide volver a Argentina. El 27 de mayo falta a una cita con un amigo... Raymundo había sido secuestrado. Su casa había sido allanada y la puerta rota a la fuerza; todo estaba roto y revuelto y de Raymundo no había rastros. Nunca más volvió a aparecer.

Descargar:

http://www.flyupload.com/?fid=4388565

Nanuk, el esquimal (Nanook of the North)

2008-07-22T09:21:00.000-03:00

Nanuk, el esquimal (Nanook of the North)

Aclamadísimo documental, pionero y modelo, que narra las duras condiciones de vida de una familia esquimal del ártico. La detallada realidad de esta raza, que vive en medio de un clima casi imposible para el resto de los humanos, es lo que plasmó el antropólogo, explorador y cartógrafo Robert J. Flaherty cuando fue a rodar la cotidianeidad del esquimal Nanook y de su familia, en la Hudson Bay (Bahía de Hudson) -Canadá-, a comienzos de los años veinte. Ya entre los años 1910 y 1920 Flaherty, que había sido contratado por el magnate del ferrocarril canadiense William Mackenzie para explorar dicha zona, había realizado varias incursiones en la vida de los esquimales. Alentado por Mackenzie para que se trajera un documento animado con ese nuevo invento llamado cinematógrafo, Flaherty filmó en uno de sus viajes miles de metros de película, pero casi todo se perdió en un desafortunado incendio. Animado por su reciente esposa Frances, Flaherty se decidió a buscar financiación (encontrándola en la empresa peletera Revillon Frères) para volver a la Hudson Bay con el único propósito de hacer una película sobre los esquimales. Allí convivió con ellos, cámara en mano, durante más de un año, rodando su modo de vivir, sobrevivir, amar y cazar en la fría tundra canadiense. De vuelta a la civilización, el singular documental de Flaherty apenas obtuvo un nulo interés inicial en Estados Unidos, y sólo tras su éxito en Europa, gracias a la distribución por parte de la Pathé, alcanzó su reputada notoriedad. Ni siquiera existía el término documental como género cinematográfico en aquellos años, así pues resulta aún más sorprendente que Nanook of the North, un asombroso y lleno de fuerza relato humano, pueda considerarse no sólo el primer largometraje documental de la historia del cine... sino también el mejor.

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Metal: A Headbanger's Journey - Documental

2008-07-22T09:12:00.000-03:00

Metal: A Headbanger's Journey

Sam Dum es antropólogo y fan del metal, él se embarca en un viaje épico al corazón del heavy, su misión es descubrir el porqué este tipo de música ha sido desde siempre esteriotipada y condenada a la vez que ha sido aplaudida apasionadamente por millones de fans. (FILMAFFINITY)

El documental es realizado por un antropologo -y metalero- llamado Sam Dunn, explica los origenes del heavy metal, poniendo especial importancia a sus iniciadores, con entrevistas a alice cooper, james dio, tony iommy (black sabbath) y otros, continua con el sonido, explicando el por que del sonido “diabolico” en el metal, con entrevistas a bruce dickinson y mas, luego viaja al mayor festival de metal del mundo… El “wacken open air”, donde continua con sus entrevistas tocando temas como la vestimenta, la evolucion de los subgeneros, incluso mostrando el “arbol genealogico” del metal, satanismo, el contenido de las letras, las grupies etc, siempre con entrevistas a las bandas y a expertos en el tema…Algunas de las bandas entrevistadas: Dio, Cannibal Corpse, Slipknot, Gorgoroth, Kittie, Arch Enemy, Girlschool e incluso Twisted Sister..

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Alberto Olmedo, Documental History Channel

2008-07-22T09:06:00.000-03:00

Alberto Olmedo, Documental History Channel

Es una fecha especial para todos los que crecieron y se hicieron adultos junto a sus programas humorísticos, este documental refleja toda la vida y obra del capo-cómico rosarino que entretuvo a varias generaciones de televidentes por más de 30 años, con hilarantes interpretaciones que hicieron reír y llorar a miles de personas.

Como todos conocemos, Olmedo nació un 24 de agosto en Rosario, ciudad que también lo vio crecer, pero El Negro sabía que en su destino había algo mucho más grande y por eso, al cumplir la mayoría de edad, decidió viajar hacia Buenos Aires para hacer de su actuación algo que la gente recordara sin importar el paso del tiempo.

Con una facilidad innata para expresarse en todas las áreas en las que se lo proponga, este multifacético artista que disfrutó las mieles del éxito junto a su inseparable partenaire en la pantalla grande, Jorge Porcel, logró conquistar a públicos tan dispares provenientes tanto del teatro, como de la televisión, la radio y, sin dudas, el cine.

Recordado por sus amigos del mundo artístico, y aquellos de su mundo cotidiano, como un tipo de gran corazón,

solidario y muy buena persona. El documental fue realizado por la productora argentina Anima Films y dirigido por Matías Gueilburt. A partir de decenas de pequeñas historias que recuperan la esencia de humorista, el documental (rodado en Rosario, Buenos Aires y Mar del Plata), intenta explorar sus facetas menos conocidas.

Amigos, compañeros de trabajo y allegados como Pancho Guerrero, Juanito Belmonte, Moria Casán, Ricardo Darín, Carlos Mentasti, Héctor Olivera, Beatriz Salomón y Silvia Pérez, dieron sus emotivos testimonios.

Raúl Sendic, Tupamaro. (Documental)

2008-07-22T08:57:00.001-03:00

RESEÑA:

Una mirada polémica y audaz a nuestra historia reciente. Recorrida por la vida del mítico líder social y político. Con material de archivo y 20 entrevistados entre los que se encuentran Pepe Mujica, Raúl Sendic (h), Mauricio Rosencof, y Eduardo Galeano.

La vida y la obra de Raúl Sendic es evocada por sus amigos, familiares y compañeros, que han sido los protagonistas directos de hechos históricos compartidos con Raúl Sendic.

Personalidades tan distintas como José Mujica, Jorge Zabalza, Fernández Huidobro, Yessie Macchi, Mauricio Rosencof, Eduardo Galeano, Lucía Topolansky, Rodríguez Belletti, Raúl Sendic (hijo), Jorge Torres, Clara Aldrighi, Jorge Selves, Xenia Itté, Walter Gonzalez, María Elena Curbelo y muchos otros, se reúnen en éste documental para contarnos sus experiencias junto al líder sindicalista y revolucionario Raúl Sendic, que con su trayectoria transformó la sociedad política uruguaya, siendo sus ideas de total actualidad.

Ellos nos harán descubrir a una de las figuras más auténticas de la historia contemporánea del Uruguay.

Alejandro Figueroa nació en 1950. A los 17 años comenzó a militar en el MLN En 1972 fue uno d los que logró ir a Chile, donde continuó su militancia y figuró como actor en una película de Helvio Soto titulada Metamorfosis de un jefe de policía política .Cuando se produjo el golpe de 1973 tuvo que refugiarse en la Embajada de Francia. Entre ese año y 1995 residió permanentemente en Francia y allí comenzó lo que marcaría, junto con la militancia, su futuro. Realizó varios cursos de lenguaje audiovisual, trabajó en muchas producciones de televisión y de cine sin que su nombre apareciera nunca en los créditos, pero que le sirvieron para contactarse con productores que le ayudaron y lo animaron a encarar un proyecto personal. En varias oportunidades volvió a Uruguay, mientras seguía trabajando en Francia como editor para la televisión francesa. En el año 2000 le propusieron en Francia realizar un documental sobre Raúl Sendic. Durante 2001 se interiorizó sobre el tema propuesto, imponiéndose una especie de ruptura emocional, ya que por su ideología corría el peligro de convertir el documental en un documento político. Esta investigación que comenzó en 2001 y que continuó hasta el mismo instante del montaje final condicionó el guión. Las entrevistas tuvieron carácter fundamental, ya que el material visual con el que se podía contar era escaso y de difícil obtención.
Raúl Sendic, tupamaro, realizado en 2004, es el primer documental realizado por Alejandro Figueroa.

Descarga: http://www.gigasize.com/get.php/-1100008504/Raul_Sendic_Tupamaro.avi

SERÁS LO QUE HAS SIDO El Oscuro Pasado de Kirchner (documental imperdible)

2008-07-21T12:52:00.002-03:00

"SERÁS LO QUE HAS SIDO" El Oscuro Pasado de Kirchner (documental imperdible)

Realizó el documental 'Serás lo que has sido' que NOTICIAS presentará. Imágenes inéditas y comprometedoras de su paso por Santa Cruz. ¿Cómo era antes el Presidente?

Llegó por primera vez a Santa Cruz en abril del 2003, cuando el resultado de la primera vuelta para las presidenciales había dado ganador a Carlos Menem y segundo a Néstor Kirchner. Marcelo López Masía (43) trabajaba en Canal 9 y Mariano Grondona lo había enviado a la provincia patagónica para conocer mejor al por entonces gobernador de apellido difícil. No tenía preconceptos ni sabía con qué se iba a encontrar.

“Apenas llegué –recuerda hoy- pude hablar con todo el arco opositor, pero no me atendía nadie del oficialismo, se me escapaban todos. Yo quería preguntarles, entre otras cosas, cuántos eran y dónde estaban los millones de Santa Cruz depositados en el exterior. Nadie respondía, ni De Vido, ni Zannini, ni Alicia Kirchner, ni Waldo Farías, que era el ministro de Economía. El día antes de regresar nos enteramos que había un acto, un acto del cual sólo habían avisado a periodistas amigos. Fuimos con mi camarógrafo y allí estaban todos, pero nadie se paraba a responder. Por fin, cuando llegaba a preguntarles sobre el dinero de la provincia, uno me respondió que eran 500 millones de dólares, otro me dijo 700 y un tercero me dijo más de 1.000. Eran ministros y diputados, y ninguno sabía con exactitud cuánto era el dinero que la provincia que representaban tenía depositado en el exterior, ni tampoco dónde estaba.”

Documental. Las imágenes que López Masía filmó forman parte de un documental que ya está en etapa de edición y que NOTICIAS presentará en las próximas semanas. Allí se ve el momento en que el periodista llega con su micrófono frente a Kirchner y le pregunta respetuosamente: “Gobernador, ¿podemos dialogar con usted?”. La insólita respuesta no se la dirigió a él sino a sus enfervorizados seguidores: “Compañeros, no caigan en la provocación”. Su respuesta transparentaba lo que se conocería luego sobre cómo Kirchner interpreta el rol del periodismo: una invitación al diálogo era -¿y sigue siendo?- una provocación. Lo que parecía una respuesta desmedida, una invitación a la violencia, lo fue. A continuación se ve a López Masía en el suelo, recibiendo insultos y patadas.

En Buenos Aires, mientras tanto, se conocía que Menem se bajaba de la segunda vuelta y Mariano Grondona recibía una propuesta del kirchnerismo: si no emitía el papelón de Santa Cruz, el futuro presidente iría al programa. Grondona respondió que Hora Clave pasaría una síntesis de lo sucedido y que Kirchner podría ir para responder. El informe se emitió y Kirchner nunca fue.

El periodista sintió desde su regreso, que algo había cambiado para él en Canal 9. Le empezaron a encargar informes que luego no salían al aire, al mismo tiempo que la emisora de Daniel Hadad se acercaba al Gobierno. Un día del año 2006 comprendió dos cosas: que si quería seguir haciendo periodismo de investigación debía buscar otro destino laboral, y que tenía una deuda pendiente con los santacruceños que durante los tres años siguientes a su visita le seguían enviando filmaciones y documentos desconocidos sobre la actuación de Néstor Kirchner en la provincia.

La otra Santa Cruz. El documental de López Masía muestra a un periodista determinado a encontrar respuestas a temas que en su momento escandalizaron a toda la Patagonia: el nombramiento de jueces adictos, el uso de fondos públicos para comprar a la prensa a través de publicidad oficial, amigos de Kirchner que se hicieron millonarios en poco tiempo, la nula política de derechos humanos en la provincia, los negocios petroleros y la contaminación ambiental, y la mafia pesquera que terminó con la vida del empresario Raúl Espinosa en el llamado caso Conarpesa, en el marco de aportes de fondos negros para la campaña presidencial.

Investigar y hallar respuestas para esos hechos, no sólo podría iluminar sobre la actuación de Kirchner previa a la presidencia, sino que ayuda a entender mejor al Kirchner presidente. El título del documental lo explica bien: “Serás lo que has sido”.

“Kirchner siempre tuvo en claro que lo primero que se necesita para manejar el poder es la domesticación de la Justicia, después aparecen los negocios y el autoritarismo. Pero primero está la protección judicial que garantiza impunidad. Siempre decía que con el referí de tu lado se ganan todos los partidos, ya que la mayoría de las veces los adversarios ni se presentan a jugar”, señala el investigador.

En ese sentido, los pasajes que muestran quiénes son los jueces que Kirchner designó para manejar la justicia provincial serían desopilantes, sino delataran con tanta claridad la tragedia de la manipulación jurídica.

Periodismo Felpudo. En los últimos años, la televisión argentina descubrió un nuevo formato, tan divertido como revelador. Recuperar viejas imágenes de protagonistas actuales para comprobar su coherencia o demostrar sus mentiras. También los programas periodísticos y la prensa en general suelen tener la saludable costumbre de revisar el pasado para comprobar, al menos, si lo que alguien dice que sucedió, en efecto sucedió.

Sin embargo, con Kirchner nada de esto funciona. Por ejemplo, las imágenes que el documental recupera sobre sus distintos encuentros con Carlos Menem, alcanzarían para demostrar la distancia entre lo que hoy dicen uno del otro y lo que decían hace pocos años atrás. Kirchner y Menem abrazándose, elogiándose mutuamente hasta empalagar, haciéndose regalos, haciéndose promesas que el tiempo demostró que ninguno iba a cumplir. Todo ante las sonrisas cómplices de Cristina, Corach, De Vido, Kohan, y otros que por entonces parecían amigos.

Hasta ahora, esas grabaciones permanecieron en el olvido. Y no tanto porque alguien se haya preocupado en esconderlas (cosa que sí hicieron los kirchneristas), sino porque nadie se interesó por ir a buscarlas. Hay un mérito innegable de López Masía en su hallazgo, y también una vergüenza de quienes no fueron capaces o no quisieron (el pecado es el mismo) encontrar respuestas.

Algunos segundos de esas filmaciones fueron utilizadas por NOTICIAS para el aviso televisivo emitido el Día del Amigo del año pasado. El spot realizado en el marco de la campaña por los 30 años de esta revista fue prohibido en los canales abiertos y premiado en distintos festivales de publicidad.

Grabaciones ocultas. A López Masía le cuesta entender: “Es curioso que el presidente que más interés demostró por investigar el pasado, haya logrado que nadie lo investigue a él. Muchas veces fueron hasta Santa Cruz equipos periodísticos, pero después las notas no se publicaban.”

Si hubiera tenido interés, el periodismo habría encontrado perlas como la que descubrió este documentalista. “Hay una grabación muy reveladora, porque no es periodística y muestra cómo es Kirchner cuando está en la adversidad. Es en febrero del 2002 y aparece desequilibrado. Venía de soportar un cacerolazo en la puerta de la gobernación y estaba reunido con sus seguidores. Allí pudo entrar alguien que grabó sin ser descubierto una arenga de Kirchner instándolos a retomar el control de la ciudad. En tono violento les decía: ‘Por cada uno (de los caceroleros) que venga a buscarnos, iremos diez de nosotros a buscarlos a ellos a sus casas’, rememorando el trágico cinco por uno de Perón.”

El documental dura 85 minutos. Después de verlo es posible afirmar que lo que sabíamos hasta ahora de Néstor Kirchner era apenas una pequeña parte de la verdad. l

Gustavo González ggonzalez@perfil.com.ar

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Seras lo que has sido - El oscuro pasado de Kirchner

Classic Albums BBC Serie Documental - Pink Floyd - Dark Side of The MOON

2008-07-21T10:26:00.001-03:00

Classic Albums BBC Serie Documental - Pink Floyd - Dark Side of the moon

Classic Albums es una serie documental que destripa los discos que hicieron al rock y al pop tal y como hoy los conocemos. Está disponible en DVD y esta siendo transmitido en exclusiva para Latinoamérica por History Channel, cada capítulo (50 min.) está protagonizado por los componentes del grupo, el productor del disco y algunos críticos musicales. En cada documental se exponen todo lujo de detalles sobre el proceso de creación y producción, y se recuerda el contexto histórico/musical en el que se grabó el álbum en cuestión

The Dark Side of the Moon (titulado en la edición en disco compacto de 1993 como Dark Side of the Moon; en español: El lado oscuro de la luna) es un disco conceptual y noveno álbum de estudio la banda de rock progresivo británica Pink Floyd, lanzado el 17 de marzo en los EE. UU. y el 24 de marzo de 1973 en el Reino Unido. Alan Parsons estuvo a cargo de la ingeniería de sonido del disco, que se hizo notable por su superioridad, y el uso de la musique concrète con letras filosóficas - algunas de las cuales se convirtieron en parte del repertorio usual de Pink Floyd. Es considerado un punto de referencia en la música contemporánea y usado por algunos críticos como uno de los puntos en los que se da la unión entre lo "clásico", el blues rock, y los nuevos géneros, derivados de la música electrónica.

The Dark Side of the Moon es considerada habitualmente por muchos críticos y fans como la magnum opus de Pink Floyd, y su álbum definitivo. En 2006 fue votado como "Mi Álbum Favorito" por los oyentes de Australian Broadcasting Corporation. En 1990, los radioescuchas de Australia lo nombraron como el mejor álbum para hacer el amor, y en 2003, Rolling Stone lo colocó en el puesto 43 entre Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos

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Shine a Light - Martin Scorsese

2008-07-21T10:20:00.001-03:00

Shine a Light - Martin Scorsese

Martin Scorsese ilumina con su propia visión a la más grande banda de rock de todos los tiempos. Un acercamiento riguroso, deslumbrante, divertido y profundamente humano a los cuatro miembros de los Rolling Stones a lo largo de su pasado y su más enérgico presente. Nunca una película se había acercado más al rock y el musical nunca había adquirido tantos decibelios. El director ganador del Oscar y la banda más legendaria de la historia del rock n´ roll, se han unido para traer al público el gran acontecimiento musical y cinematográfico del año. Con “Shine a Light” Martin Scorsese muestra al mundo a los Rolling Stones como nunca antes han sido vistos.

Filmado en el famoso Beacon Theatre de Nueva York en el otoño de 2006, Scorsese reunió a un legendario equipo técnico capaz de capturar la increíble energía de la Banda.
Entre otros Robert Richardson el ganador del Oscar(“El Aviador”, “JFK”) quien superviso el equipo de cámara formado por varios de los mas aclamados directores de fotografía, incluyendo a los ganadores de los Oscar John Troll (El Ultimo Samurai), Andrew Lesnie (“El Señor de los anillos”, “King Kong”) , Robert Elswit (Pozos de Ambición”, “Magnolia”) y Albert Mayles, director de GIMME SHELTER, documental sobre los trágicos eventos ocurridos en San Francisco en 1969 durante el concierto más multitudinario de los ROLLING STONES.(…).

El montaje de la película corre a cargo de de David Tedeschi, quien trabajo con Scorsese en el aclamado documental sobre Bob Dylan, “No Direction Home: Bob Dylan”.
Y unos artistas invitados a la gran ceremonia del rock como Christina Aguilera, The White Stripes o el propio Bill Clinton con su familia al completo. Una experiencia cinematográfica y musical única.

Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ron Word son productores ejecutivos junto a Jane Rose.

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Everyone Stares: The Police Inside Out

2008-07-21T10:12:00.001-03:00

Everyone Stares: The Police Inside Out

El debut en la dirección cinematográfica del ganador de 5 grammy y batería del grupo 'The Police' Stewart Copeland, es una narración en primera persona del ascenso del grupo desde sus inicios hasta la fama mundial, además de un astuto y algunas veces hilarante comentario sobre la cultura pop de finales de los años 70 y principios de los 80.

A principios de los 80s, hubo un power-trío que cambió la escena del pop sin escupirle a la reina ni aburrir con virtuosismos: sólo con buenas canciones y una imagen irresistible. Sin ser los Sex Pistols ni Rush, The Police tomó lo mejor del rock, el reggae y el pop y propuso un sonido nuevo y fresco que no ha envejecido ni un poco, y que ahora podemos volver a disfrutar en el más delicioso DVD que un fan pueda imaginar.Everyone Stares: The Police Inside Out" es el nuevo e increíble documental que relata por fin la historia de esta banda desde dentro y en detalle. Es, además, el debut como director de su baterista y fundador Stewart Copeland, quien filmó el material, lo dirigió, produjo. Hizo de guionista, montajista y narrador.Esta entretenidísima película es un relato en primera persona sobre el ascenso desde la oscuridad de dudosos clubes periféricos hasta la superfama y giras mundiales. De paso, es una colección de astutos e hilarantes comentarios acerca de la cultura pop de fines de los 70s e inicios de los 80s.Montado a partir de más de 50 horas de película amateur en formato Super 8 filmada por el propio Stewart durante la intensa carrera del grupo (cinco álbums en seis años, y punto), la película ofrece una nueva perspectiva para imaginar cómo habrán sido los días de fama y locura de las giras, la personalidad siempre conflictiva del trío y cómo enfrentarse y tratar de entender el comportamiento siempre esquizoide de los fans.

Joni Mitchell: A life story. Woman of heart and mind

2008-07-21T09:13:00.008-03:00

Joni Mitchell: A life story. Woman of heart and mind

Extraordinario documental sobre la vida y la obra ejemplares de Joni Mitchell.

Pintora, compositora, cantante, poeta, inconfundible guitarrista… todas las facetas de esta sorprendente artista aparecen reflejadas en el documental, en el que, además de a la propia Joni, aparecen entrevistas a monstruos de la música como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Graham Nash, David Crosby, etc.

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Birri, Fernando - La Escuela Documental De Santa Fe (1964)

2008-07-21T08:29:00.004-03:00

En 1956 Fernando Birri (santafesino, fundador y director de teatros populares: universitario, de títeres; poeta; estudiante de Derecho hasta 4to año; vital) regresaba a la Argentina con la urgencia de mucho por hacer, por gritar en el amplio horizonte de su patria americana, patria en crecimiento, en subcrecimiento a la que hay que ayudar a crecer (Seis años antes había tomado el barco para Italia cuando comprendió que «alguna rueda no fuencionaba en el gran reloj de los planetas: un minúsculo resorte llamado ternura había saltado. Y aquella ternura que los films italianos traían documentando humildemente lo cotidiano, fotografiando a los hombres y a los días de los hombres, no era la panacea universal, pero se le parecía bastante». Ese descubrimiento de que en el mundo muchos otros resortes habían también saltado y podían llamarse sociales, económicos, políticos, morales).
Había ocurrido en 1955 un cambio político con la caída del peronismo. Cierta remoción de elementos. Ciertas esperanzas nacientes con el frondicismo, luego frustradas. Una generación de cinematografistas postergada desde hacía años pugnaba por aflorar. Y no sólo en el campo del cine sino también por ejemplo en la literatura. Había que unirse entre quienes pensaban en el futuro con una común idea. Al calor de la promesa de "desarrollo nacional" y con el apoyo de la nueva Ley de Cine, aquella generación -se podría decir diez, veinte, treinta nuevos directores- surgía acuciada por una impostergable necesidad de testimonio y de sinceridad, de autocrítica, de afirmación sobre nuevos valores. Muchos quedaron en el alegato subjetivista, otros aceptaron el desafío en el terreno de un cine con implicancias críticosociales. «Peleamos por un cine realista, nacional, popular y crítico» diría Birri. Y no es que le hayan faltado oportunidades para hacer "cine comercial". A los pocos días de su llegada de Italia tuvo sobre su escritorio tres guiones, trazados en base a las viejas recetas convencionales en vigencia. Pero Birri sabía que su causa no era la de nuevas mentiras acumuladas a las viejas mentiras. Y frente a la disyuntiva, frente al camino breve, económicamente brillante pero enajenante de sus convenciones y sentimientos, no dudó en elegir el camino largo y arduo de crear las condiciones que hicieran posible un cine donde se aplicaran esas convicciones y esos sentimientos:

Así fue que en su Santa Fe natal, a quinientos kilómetros de Buenos Aires, demostró una vez más que Cine y Cultura no eran términos antagónicos. Junto a la Universidad argentina. Universidad que «nutrida por la colectividad -diría- se debe a ella para su mejoramiento». («En la Facultad de Ciencias Políticas de la Universidad de Chicago nació nuestro concepto de documental» escribió John Grierson, iniciador del movimiento documental inglés).

De esta manera Birri fundó el Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral (con el apoyo de la visión progresista de su Rector Dr. Gollán y la Directora del Instituto Social Dra. Romera Vera). Allí pondría en práctica el concepto de un cine-documento que, comenzando en la realidad, terminara en la realidad no sólo para reflejarla, para interpretarla, sino, fundamentalmente para modificarla. Y comenzaron los trabajos en ese taller-escuela que poco a poco fue ampliándose hasta convertirse en el epicentro de lo que algunos llamaron "la escuela documental del Litoral", y cuya gravitación en el orden nacional se hizo sentir en el campo del cortometraje, de la doctrina y la crítica especializada. Debemos tener en cuenta las características y condiciones propias del país para valorar la verdadera proporción de esta influencia.

Se comenzó por los fotodocumentales -primera aproximación a la realidad-, se continuó con los films documentales (años febriles, con poco tiempo para el descanso, mientras se iban fogueando, nucleando, moldeando, los nuevos elementos humanos técnica-estética-éticamente lúcidos para el ejercicio del cine documental, testimonial, basado en un método y orientado hacia la educación, la divulgación, la crítica. Luego vino el film argumental de largometraje, que pudo hacerse gracias al terreno abonado por el Instituto. Y ese film compartió el premio "Opera Prima" en el Festival de Venecia de 1962, y fue distinguido por los de Karlovy-Vary y Acapulco. Reconocimiento internacional más importante obtenido hasta la fecha por el cine argentino. El film desató violentas polémicas en pro y en contra. Las fuerzas se dividieron para juzgarlo, como tenía que ser. Entre quienes vieron el film, quizá no sean muchos los que sepan que su largo proceso de gestación se vincula íntima y directamente en sus elementos, materia prima, método, contenido, actitud moral, con la escuela documentalística desarrollada y encauzada en aquel Instituto. Según lo había querido y entrevisto claramente Birri en aquel año de la decisión. Y cuando digo Birri no es solamente Birri, pues son muchos quienes ahora comparten la responsabilidad en distintos terrenos y especialidades. (Actualmente ha dejado la Dirección del Instituto, continuando su vinculación como Asesor Honorario, abocándose, con parte del equipo que trabaja conjuntamente con él -mientras otra queda a cargo del Instituto- a una mayor vinculación y ampliación de la experiencia en el campo latinoamericano.

Quien tenga este libro en sus manos y lo lea compartirá en vivencia e inteligencia, a través de un cuidado montaje de documentos vivos, el proceso que se inició con la creación del Instituto de Cine de la Universidad Nacional del Litoral. Pero más que compartirlo como espectador pasivo queremos que quien lo lea encuentre en esta experiencia un motivo de ejemplo y reflexión para su propia experiencia futura a vivir, sea en el terreno del cine, sea en el más amplio de la lucha por la cultura de los pueblos, que es también la lucha contra las poderosas fuerzas que quieren negar el desarrollo, la elevaión y la dignidad del hombre sobre la tierra.

Manuel Horacio Giménez

Descargar:
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La dignidad de los nadies (2005)

2008-07-20T18:26:00.004-03:00

La dignidad de los nadies (2005)

Dirección y guión: Fernando E. Solanas.
Año: 2005.
Producción: Fernando E. Solanas y Sara Silveira.
Música: Gerardo Gandini.
Fotografía: Fernando E. Solanas.
Montaje: J.C. Macias y Fernando E. Solanas.
Estreno en España: 2 Junio 2006.

Durante los años 90 reiteraron la idea de que la realidad no podía ser cambiada, que la gente debía resignarse al camino único neoliberal. Una cultura de la derrota, amnésica e hipócrita, caló hondo en los sentimientos de millones de personas.

En este documental se describen las historias y testimonios conmovedores de la resistencia social en Argentina frente al desempleo y el hambre producidos por el modelo globalizador. Son relatos de solidaridad, pequeñas epopeyas contadas por sus protagonistas, héroes anónimos con propuestas colectivas que vencieron el desamparo, reconstruyendo la esperanza. Con "La dignidad de los nadies", Fernando Solandas ha querido revelar las pequeñas victorias y hazañas cotidianas de "los nadies", alternativas y propuestas solidarias que demuestran como este mundo puede ser cambiado.

Datos:
Calidad: DVDRrip
Formato de Vídeo/Códec: XviD
Vídeo Bitrate: 1490 kbit/s
Resolución: 592 x 320
Formato de Audio/Códec:192 kbps AC3
Idioma: Español
Tamaño del archivo: 699 MB + 698 MB

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Sangre de cóndor (Yawar mallku) - Bolivia, 1969

2008-07-20T17:51:00.005-03:00

Sangre de cóndor (Yawar mallku) - Bolivia, 1969

Esta película cuenta una historia real sucedida unos años antes en los Andes centrales, donde los Cuerpos de paz yankis ligaban las trompas de las mujeres bolivianas (sin su conocimiento, por supuesto), aplicando las políticas diseñadas por Mac Namara.

La imagen final muestra a un grupo de personas empuñando armas símbolo de rebeldía y lucha contra de la opresión y división de clases.

La defensa de la comunidad fue eficaz … y ése es el problema de la película, a la cual los milicos le quemaron los masters en La Paz.

Su tema es también una historia de indios, mestizos y blancos.

El indio pregunta a la madre coca, pide a la madre tierra, sube al cerro en pos de la “luz” y se convierte en víctima cuando va a la ciudad.

El mestizo es desigual y contradictorio: ambiciona las cosas del blanco, pero llora el perdido mundo indígena; tiene un poster del Che en su pieza, pero responde airado cuando le llaman “indio”.

El blanco ha olvidado a los dioses, desconoce el país y está aprendiendo inglés.

El blanco ha olvidado a los dioses, desconoce el país y está aprendiendo inglés.

Yawar mallku (nombre quéchua del film) refleja el entrelazamiento y la relación de estos tres mundos, la historia de su conflicto y su pugna.

Su director, Jenaro Sanjinés, se manejó con dos versiones: una con la historia contada linealmente, para que la gente no acostumbrada al cine, a la que estaba destinada, pudiera seguirla y aprovecharla; la otra, para la difusión internacional, mucho más "cinematográfica", con raccontos. Es la que fue estrenada en Argentina y también la que se refleja en esta versión.

Yawar mallku (nombre quéchua del film) refleja el entrelazamiento y la relación de estos tres mundos, la historia de su conflicto y su pugna.

Ficha técnica:

Tipo: Largometraje blanco y negro

Producción: Grupo Ukamau

Jefe de producción: Ricardo Rada

Dirección, guión y montaje: Jorge Sanjinés

Fotografía: Antonio Eguino

Asistente de cámara: Juan Miranda

Continuidad: Daniele Caillet

Argumento: Oscar Soria, Jorge Sanjinés

Música: Alberto Villalpando, Alfredo Domínguez e Ignacio Quispe

En la quena: Gilbert Favre

Reparto: Benedicta Huanca, Marcelino Yanahuaya, Vicente Verneros, Danielle Caillet, Mario Arrieta, Ilde Artés, Comunarios de Kaata

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The Last Hours of Che Guevara: A Chronology

2008-07-20T17:33:00.003-03:00

The Last Hours of Che Guevara: A Chronology

Fernando Birri - Mi hijo el che

2008-07-20T16:50:00.003-03:00

Mi hijo el Che

Birri hace hablar al padre del Che (Ernesto Guevara Lynch) sobre su hijo y logra recoger un maravilloso testimonio de la vida del gran personaje histórico Ernesto Che Guevara a través de los recuerdos de su progenitor

Director: Fernando Birri
Produce: ICAIC (Cuba), TV Espanola, Laboratorio de Poeticas Cinematograficas de Fernando Birri
Año: 1985

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Parte Primera (Mi Hijo el Che)
Parte Segunda (Mi Hijo el Che)
Parte Tercera (Mi Hijo el Che=

FAQ - Cine Documental

2007-07-21T09:49:00.002-03:00

El documental es un cine eminentemente didáctico, que ha pasado por todas las vicisitudes y encuentros positivos de la historia del cine. No es un cine de segunda, pues desde sus inicios el documental ha estado presente con autoridad y eficacia. Más aún, sus técnicos, debido a la dificultad de las filmaciones, la precariedad de los medios y las adversas condiciones de rodaje con las que se encuentran a menudo, han debido acrecentar la imaginación con el fin de trasmitir sus mensajes, aportando al cine muchos de los inventos y recursos con los que actualmente cuenta.

El documental es cine realizado sobre la base de materiales tomados de la realidad. La organización y estructura de imágenes, sonidos (textos y entrevistas) según el punto de vista del autor determina el tipo de documental.

La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales -completamente reales, recreaciones, imágenes infográficas, etcétera— dan lugar a una variedad de formatos tan amplia en la actualidad, que van desde el documental puro hasta documentales de creación, pasando por modelos de reportajes muy variados, hasta el docudrama (formato en el que los personajes reales se interpretan a sí mismos), llegando hasta el documental falso conocido a veces como 'mockumentary'.

Con frecuencia, los programas de ficción adoptan una estructura y modo de narración muy cercanas al documental, y a su vez, algunos documentales reproducen recursos propios de la creación de obras de ficción.

El cine documental no es un género. Una película documental no es, en consecuencia, una estructura deliberada que se apoya en un modelo preexistente. Lo que sí tienen en común son los materiales que esos films manejan. El film documental cuenta hechos que han sucedido o que están sucediendo independientemente de que con ellos se haga o no una película. Sus personajes existen también fuera del film, antes y después del film.

Es esto, y únicamente esto, lo que diferencia un film documental de un film de ficción. El film de ficción maneja materiales que sólo existen en el film, para el film. Tanta o más diferencia que entre un film documental y un film de ficción, hay entre dos documentales, uno de los cuales cuenta hechos que han pasado. Existe tal diferencia entre los materiales que deben manejarse en uno y otro caso, que las estrategias, las técnicas y los métodos de trabajo son radicalmente diferentes.

Un documental que cuenta algo que ha pasado, trabaja con los restos de eso que ha sucedido hace (mucho o poco) tiempo. Trabaja, en consecuencia, con material de archivo: tomas, fotos o sonidos que pertenecen a esa época pasada. Puede trabajar, también, con imágenes filmadas, ahora, de los lugares en los que sucedieron esos hechos. Y trabaja con los restos de esos hechos en la memoria de la gente, es decir con los testimonios de quienes saben algo de eso que pasó hace tiempo.

Cuando un documental cuenta, por el contrario, cosas que están pasando, que se producen en el mismo instante en que el cineasta las está filmando, el trabajo se organiza de acuerdo a esta característica del material, estos hechos que todavía no se han producido, cuyas eventuales características deben preverse, para poder así decidir qué va a filmarse (de lo que se supone va a suceder) y de qué manera.

El cine documental. Los comienzos
La mayoría de los autores afirman que el cine documental nació el año 1922, al estrenarse la película Nanook el esquimal, de Robert Flaherty, a pesar de que desde el mismo comienzo del cine lo que se filmaba ya eran documentos en movimiento que tenían por objeto tan sólo registrar acontecimientos de la vida cotidiana. Los primeros documentalistas fueron grandes exploradores (Flaherty, Vertov, Grierson) que llegaron a filmar aspectos muy cercanos a ellos y otros en los más remotos lugares de la tierra. Más tarde llegaron directores que prefirieron filmar el cine social, más cercano a su propia realidad, o el cine sobre la naturaleza, como los documentalistas de televisión, con más medios y en algunos casos muy buenos resultados.

Los últimos documentalistas tienen más capacidad de viajar pero no descartan filmar su propio entorno, sin apenas salir del barrio. Actualmente el mundo del documental es muy variado, sin fronteras en sus tratamientos, desde el cine más tradicional hasta el digital, ni en sus contenidos, ya que tratan cualquier actividad, remota o cercana, artística o social, deportiva o científica, sin excluir en ningún caso ni el documental de investigación ni el documento etnográfico.

Con frecuencia, los programas de ficción adoptan una estructura y modo de narración muy cercanas al documental, y a su vez, algunos documentales reproducen recursos propios de la creación de obras de ficción. El género documental es amplio y polivalente, desde el documental puro hasta documentales de creación, pasando por modelos de reportajes muy variados. Se denomina docudrama cuando los personajes reales se interpretan a sí mismos o a los verdaderos protagonistas. El documental falso se llama mockumentary.

Búsqueda de la realidad
El cine, desde los comienzos, se ha planteado como uno de los objetivos buscar la realidad y filmarla para presentarla al espectador. Sin embargo la verdadera independencia entre objetos a filmar y métodos de filmación se logró cuando el cineasta pudo manejar una cámara y un magnetófono al mismo tiempo. De esta forma se hizo posible el documental, al liberarse el cineasta de las servidumbres del cine filmado en un plató, en el que todo debe estar previsto con mucha anticipación y absolutamente preparado. El documental nació de la necesidad de filmar la realidad, por un lado, y de disponer de la oportunidad de moverse con la cámara con el sonido sincronizado al mismo tiempo, por otro. Actualmente el cine documental puede prescindir de la claqueta. Con varias cámaras se pueden filmar diversas visiones o puntos de vista desde diversos ángulos en el mismo momento histórico, lo que hace posible revitalizar la expresión y el lenguaje cinematográfico. También el cine de ficción obtiene de esta manera secuencias de mayor realismo.

El documento fílmico. Lumiére. La Escuela de Brighton
El cine comenzó siendo documento fílmico. El propio Louis Lumière pensaban el cine más como un instrumento científico que como un espectáculo para las masas, por lo que filmaban escenas callejeras y situaciones de la vida cotidiana. Tanto en Francia como en Estados Unidos, como los primeros intentos en casi todos los países, fueron filmar situaciones que se desarrollaban ante los ojos de los ciudadanos. El cine lo que hizo fue sacarlos de contexto y presentarlos como documento. Se han convertido en referencia y dato histórico de una época.

El cine fue documento fílmico hasta que Mèliés le añadió el espectáculo visual, trasformando sus proyecciones en ficción de ilusionistas, con la inclusión de historias sencillas en ambientes muy complicados y barrocos. Desde sus comienzos, como ya se ha explicado anteriormente en este texto, el cine se hacía con fines de puro entretenimiento, exhibiéndose las películas en ferias, teatros de variedades o grandes palacios del cine. No obstante, en el Reino Unido, se creó un movimiento que la historia ha dado en llamar la «Escuela de Brighton», por una serie de cineastas que actuaron en dicha ciudad por motivos casuales. Les unía la utilización de la luz y el paisaje de la naturaleza, huyendo de los tristes decorados de cartón. Utilizaron con anticipación a otros el primer plano, en The big Swallow (1901), de Georges Albert Smith, el travelling con intenciones dramáticas y los primeros pasos en el montaje.

Tras la Primera Guerra Mundial las películas comenzaron a atraer cada vez más a los artistas e intelectuales, apareciendo un público más exigente, sobre todo en las grandes ciudades de la cultura. En los años 20 se fundaron cine-clubs y sociedades cinematográficas. El público comenzó a interesarse también por la noticia filmada y aparecieron los noticiarios.

Su padre, Antoine, era un conocido pintor retratista que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía; tanto Louis como Auguste continuaron con el negocio familiar.

Louis desarrolló un novedoso método para la preparación de placas fotográficas, que convirtió la empresa familiar en líder europeo del sector. En 1894, Antoine fue invitado a presenciar una demostración del kinetoscopio de Edison. Fascinado por el invento, propuso a sus hijos que buscasen la manera de mejorarlo, ya que se trataba de un aparatoso artilugio, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla.

Un año más tarde, Louis había hallado la solución. En 1895 Louis consiguió construir en Lyón, el primer aparato cinematográfico. Con él rodó la salida de los obreros de su fábrica, su primera película formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público, en París el 28 de diciembre.

Uno de sus primeros films, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente.

Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscópico.

La abstracción de la realidad: Joris Ivens El cine experimental llevó a algunos fotógrafos a interesarse por el documental y por la experimentación cinematográfica mediante estudios fotográficos de la luz y del movimiento. El cine experimental comenzó a buscar la abstracción, una forma de filmar la realidad desde otros puntos de vista. Jorins Ivens realizó así Lluvia, (Regen, 1929), con el subtítulo de «poema cinematográfico», filmando el agua en las calles de Amsterdam durante y después de una tormenta. El naturalista francés Jean Painléve, uno de los pioneros del documental se especializó en fotografía submarina que acompañaba de música, con lo que presentaba la realidad sublimada por el montaje y la melodía.

Los cineastas comenzaron a plasmar las imágenes de forma real, intentando verlas desde diferentes puntos de vista en lugar de colocarlas simplemente ante la cámara y filmarlas. La intencionalidad del cineasta comenzaba así a dominar el ojo selectivo de la cámara y trabajándolas en el laboratorio, mediante el montaje, las películas que mostraban la actualidad fueron avanzando en una dirección cada vez más abstracta y compleja.

Director de cine holandés. Hijo de un comerciante de aparatos fotográficos, pudo disponer desde muy pequeño de una cámara tomavistas. De hecho, con trece años fue ya capaz de rodar un primer cortometraje amateur, La flecha ardiente. Estudió Economía en Rotterdam, y Química en la Universidad de Charlottenbourg, mientras lo simultaneaba con el aprendizaje de la técnica fotográfica.

Más tarde, optó por ampliar sus conocimientos trabajando en diversas fábricas alemanas, hasta que en 1926 regresó a la empresa paterna y comenzó a participar en el incipiente movimiento cineclubista de la época. Ese contacto con las tendencias de vanguardia le influyó en sus siguientes obras, caso de El puente o La lluvia, de marcado carácter experimental.

A finales de los años veinte viajó a la antigua URSS, donde conoció a los más importantes realizadores soviéticos y adquirió un compromiso ideológico que le acompañaría el resto de su vida. Sin embargo, en un primer momento la influencia soviética es tan patente que las películas de Ivens glosan los avances del comunismo (Construimos) o, sin más, se adscriben a la corriente del maquinismo (Sinfonía industrial). Ya en Bélgica entró en contacto directo con las luchas obreras, y llega a filmar importantes huelgas mineras (Borinage).

En 1936 se trasladó a Estados Unidos, donde se relacionó con intelectuales como Ernest Hemingway, Lillian Hellman, Robert Flaherty o John Dos Passos. Juntos fundan la sociedad Contemporary Historians, con el objetivo de producir una película que presentase al mundo la lucha de la República española frente al alzamiento militar de Francisco Franco. Dirigida por Ivens con un presupuesto de 2.000 dólares, Tierra de España se convierte en uno de los más estremecedores documentos sobre la Guerra Civil, al estructurarse sobre dos ejes: la lucha de los milicianos y los movimientos campesinos. Hemingway se encargaría de poner su voz al narrador de este filme.

Tras vivir el riesgo físico real de que rodando en el frente alguien le disparase un tiro, optó por una mayor tranquilidad y viajó a China. Pero sería en Estados Unidos donde rodara la mítica La electrificación y la tierra, documental didáctico para convencer a los granjeros de la necesidad de poner electricidad en sus casas. La tecnología como fuente primaria de cambio social es el vértice sobre el que gira esta película, surgida al amparo de los nuevos aires del ´New Deal´ puesto en marcha por el presidente Roosevelt.

Joris Ivens marcharía después a los países del Este de Europa, rodando en Checoslovaquia (Los primeros años), Polonia (La paz vencerá), la URSS (La amistad vencerá) o la República Democrática Alemana (El canto de los ríos). Afincado en Francia, codirigió Las aventuras de Till l'Espiegle, su único acercamiento al cine de ficción.

En los años sesenta orientaría su compromiso social y político hacia la pobreza que padece Latinoamérica y la agresión sufrida por Vietnam. A Valparaíso describe con enorme crudeza la progresiva ruina de una ciudad chilena antaño próspera, como símbolo de una degradación que sólo puede conducir al futuro surgimiento de revoluciones.